LUNA NUEVA (1940), de HOWARD HAWKS

   

  Cantemos una loa a la mierda de programación que las televisiones ofrecen estos días. Uno se ve obligado a echar mano de su particular cinemateca. Anteayer me pude "Luna nueva", una de estas películas que, casi, me se de memoria, aunque deje pasar un mínimo de 5 años entre visión y visión.

     Siempre es reconfortante repasarla, como "La fiera de mi niña", "Historias de Filadelfia", "Tu y yo" (no por casualidad todas con Cary Grant), "Casablanca", "La diligencia", "El expreso de Shanghai" o "Rebeca".

     Esta es la mejor versión, y aunque no quise ver la última, la  de Kotcheff de 1988, es superior incluso a la de Wilder de 1974. De hecho, la obra de Charles Mc.Arthur y Ben Hecht, tuvo un gran éxito teatral. En ésta destaca el guión de Charles Lederer, lleno de diálogos rápidos y chispeantes, duelo de sexo con pullas mordaces y doble sentido, y añadan la gran actuación de Cary Grant y Rosalind Russell (que, si la memoria no me falla, no coincidieron en ningún otro filme), y es una lástima, porque Rosalind está sublime. En el cine desde 1935, hizo todo tipo de papeles, pero estaba dotada para la comedia, como demostró en "Mujeres" (Cukor-1939).

    !Y qué decir de los secundarios, desde Gene Lockhart a Clarence Kolb, pasando por el fordiano John Qualen!

     Una gozada, demostrando Hawks que, si triunfó en el cine negro, o el de aventuras y el western, hizo grandes comedias como "La comedia de la vida" (1934), "La fiera de mi niña" (1938), "Bola de fuego" (1942), "La novia era él" (1949) o "Me siento rejuvenecer" (1952)

Kirk DOUGLAS (1916)

    

 ACTOR, productor y director norteamericano. Rubio, sonrisa simpática, hoyuelo famoso. Interpreta a luchadores intensos, algo frágiles, y tendentes a la autodestrucción. Padre del actor Michael Douglas.

     Nacido en Nueva York, hijo de emigrantes ruso-judíos. Escribió su autobiografía con el título de "El hijo del trapero". Decidido a dedicarse a la interpretación, se paga los estudios practicando la lucha libre.

     Actor teatral desde 1941, debe dejarlo para servir en la Marina durante la 2ª G.M., y licenciado, comenzará a hacerse famoso en Broadway (1944).

     El productor Hal B. Wallis se fija en él y le da uno de los papeles principales en "El extraño amor de Martha Ivers" (Milestone-1946), debutando en el cine el mismo año que su amigo Burt Lancaster que lo haría en "Forajidos".

     Le seguiría "Retorno al pasado" (Tourneur-1947),  otro noir que reafirmaría su interpretación, pero el filme que lo encumbra es "El ídolo de barro" (Robson-1949) en la que interpreta a un púgil apasionado.Así sería la década y así los personajes que interpretaba: el policía de "Brigada 21" (Wyler-1951), el periodista sin escrúpulos de "El gran carnaval" (Wilder-1951), el cínico productor de "Cautivos del mal" (Minelli-1952), el pintor de "El loco del pelo rojo" (Minelli-1956), su Doc Holiday de "Duelo de titanes" (Sturges-1957), el abogado militar de "Senderos de gloria" (Kubrick-1957), el esclavo de "Espartaco" (Kubrick-1960) y "Dos semanas en otra ciudad" (Minelli-1962).

  

   Alterna cine negro, con westerns, o filmes de aventuras, pero siempre es Kirk Douglas. Productor de sus filmes desde "Río de sangre", no vaciló en despedir a Anthony Mann de "Espartaco", como no vaciló en llamar a Dalton Trumbo para que escribiera el guión, estando apartado del cine.

     

 Había llegado a la cima de la fama, pero aún le quedarían 40 años para seguir trabajando, mezclando la bueno con lo regular, repitiendo su personaje. Poco queda por señalar de sus filmes, quizás "El compromiso" (Kazan´1969), "El día de los tramposos" (Mankiewicz-1970), "La furia" (De Palma-1970) y "El final de la cuenta atrás" (Taylor-1979). Problemas de salud le harían ir dejando el trabajo. Su último filme lo rodó en 2003, con 87 años.

MARLENE DIETRICH (1901-1992)

  

   ACTRIZ y cantante alemana. Bella, glamurosa, sonrisa arrebatadora, dotada de humor, piernas excepcionales, cejas en actitud de permanente sorpresa, vestía unos trajes que sólo ella podía llevar sin caer en el ridículo. Marlene fue sobretodo, una presencia, y sin duda alguna, un mito del cine.

     Nacida en Berlín, se dedica al espectáculo desde muy joven. Animadora en cafés-teatro, estudia arte dramático en la escuela de Max Reinhardt, debutando en los escenarios en 1920, y dos años después, en pequeños papeles, en el cine.

     Esta 7 años que no se hace notar. Apenas se la distingue en "La calle sin alegría" (1925) de Pabst, n i en "La moderna Dubarry" (1926), pero el director Josef von Sternberg se fija en ella, y le ofrece el papel de Lola-Lola en "El ángel azul" (1930). Marlene borda el papel, su voz ronca, cierta forma de ajustarse el vestido, su mirada de soslayo, y su forma de apoyar las manos en la cadera cuando canta, la convierten en estrella de la noche a la mañana.

   

  Sternberg y ella son contratados por la Paramount, debutando en Hollywood con "Marruecos" (1930). Ella y su Pigmalion trabajarían en 7 filmes, el más famoso en América sería "El expreso de Shanghai" (1932), pero después del fracaso de "El diablo es una mujer" (1935), la asociación se rompe, siendo el final de la carrera de Sternberg.

     Marlene aún triunfaría con "Deseo" (Borzage-1936) y en "Angel" (Lubitsch-1937), un director alemán como ella, con el cual debió trabajar más, pues hizo con "Angel" que Marlene nos enamorase a todos, y quizás, a ella también le hubiera gustado trabajar más con él. Lo cierto es que, cercana a los 40, espació sus trabajos en el cine. Tuvo una gran repercusión cantando ante las tropas americanas destacadas en Europa.

    

 Nadie canta como ella "Lilí Marlen", pero sigue haciendo películas. Las más famosas: "Berlin-Occidente" (Wilder-1948), "Pánico en la escena" (Hitchcock-1950), "Encubridora" (Lang-1952) y "Testigo de cargo" (Wilder-1957), y aún destacaría "Vencedores o vencidos" (Kramer-1961), un papel no principal, pero muy significativo en la historia.

     Sus últimos años los vivió a caballo de Suiza, Alemania y Francia. Pese a su declarada ambigüedad sexual, muchos actores que trabajaron con ella se enamoraron, siendo su romance más famoso, el que tuvo con el actor Jean Gabin.

Olivia DE HAVILLAND (1916)

  

   Decir primero que deseo poder felicitar el año próximo a Olivia por cumplir 100 años. Así sea.

     Nacida en Tokio, hija de un diplomático y de la actriz teatral Lillian Fontaine, Olivia era dos años mayor que su hermana, también actriz, Joan Fontaine.

     Instalada con su familia en EE.UU. a los dos años de edad, de joven estudia arte interpretativo. Actúa en escenarios universitarios, y cuando se hace profesional, triunfa dando vida a Herminia en "El sueño de una noche de verano", dirigida por Max Reinhardt.

     Cuando en 1935, éste, junto a William Dieterle, dirigen la versión cinematográfica, es reclamada para interpretar al mismo personaje, produciéndose su debut en el cine. Contratada por la Warner (1935-43), el estudio la empareja con Errol Flynn, casi siempre como ingénua muchacha con un toque de malicia.

     Juntos trabajaron en 8 filmes, casi todos de enorme éxito, aunque Olivia se quejaba de que parecía una mujer florero, siempre supeditaba a la estrella masculina del estudio: "El capitán Blood" (1935), "La carga de la brigada ligera" (1936), "Robin de los Bosques" (1938), "Cuatro son multitud" (1938), "Dodge, ciudad sin ley" (1939), "La vida privada de Isabel y Essex" (1939), "Camino de Santa Fe" (1940) o "Murieron con las botas puestas" (1941).

     Claro que, entre medio, había interpretado a Melania en "Lo que el viento se llevó" (Fleming-1939).

   

  Pero, celosa de los papeles dramáticos que le ofrecían a Bette Davis, en 1943 se marcha a Inglaterra, al tiempo que entabla un juicio contra el estudio. Pleito que ganó, siendo muy celebrado por el mundillo de Hollywood. De regreso a EE.UU. se propuso demostrar sus dotes de actriz, cosa que consiguió en "Vida íntima de Julia Norris" (Leisen-1946), papel que le vale su primer Oscar, "A través del espejo" (Siodmak-1946), "Nido de víboras" (Litvak-1948), y "La heredera" (Wyler-1949), su segundo Oscar..

    

 Casada con el escritor Pierre Galante, se establece en Francia (1955), aunque sigue trabajando en el cine hasta su retirada definitiva en 1982. Destacaría, "No serás un extraño" (1955), "La noche es mi enemiga" (1959) y "Canción de cuna para un cadáver" (1964)

LA PARADA DE LOS MONSTRUOS ( 1935 ), de Tod BROWNING

   

  Fallecido su actor fetiche, Lon Chaney, Browning rodó "Freaks" trás el exito de su "Drácula", y entre "The Iron Man" y "Perdone señorita"

     Pese a que siempre ha sido recordado por haber filmado la, para algunos, mejor versión sobre el conde de Transilvania, el tiempo lo ha ido asociando como autor de este filme.

     Una historia que transcurre entre el mundo del circo, un tema muy común a él. Sencilla, un enano, Hans (Harry Earles), se enamora de la trapecista Cleopatra (Olga Baclanova), y ésta que sólo se burla de él, cambiará de opinión cuando se entera que ha cobrado mucho dinero a través de una herencia. Se casará con él, pese a mantener relación con el forzudo del circo. Desde la noche de bodas, ambos tratarán de envenenarlo. Entonces aparecerán los verdaderos protagonistas del filme, los monstruos, que lo impedirán y se vengarán.

     Y es que, durante poco más de una hora, asistimos como voyeuristas a un desfile de hombres y mujeres deformes que se ganan la vida exhibiéndose en el circo: la mujer barbuda, la hermafrodita, las hermanas siamesas, el hombre-torso, los seres de cabeza pequeña y mente de niño. Ellos son el único sentido del filme, una curiosidad, no de Browning, pero sí dentro de las producciones de la MGM.

GARRAS HUMANAS (1927), de Tod Browning

    

 Con apenas 50 minutos de duración, este mediometraje refleja el estilo de Browning. Desde muy joven se había escapado de casa para ganarse la vida en barracas de feria o en el circo. En sus películas, trató muchas veces esta forma de vida.

     En el filme hay amores, engaños, pasión, violencia y muerte. Y mucho grand guiñol. Un lanzador de cuchillos al que le faltan los dos brazos (luego veremos que no es cierto), y que tiene una gran habilidad para lanzarlos con los pies, está enamorado de su joven pareja de actuación (Joan Crawford). Creyéndose correspondido, se corta de verdad los brazos, para darse cuenta que, en realidad, la chica está enamorada del forzudo del circo. El drama está servido.

     Lo interpreta Lon Chaney, amigo personal de Browning, con quien trabajó en 10 filmes, desde "La hora del arroyo" (1919) hasta "Oriente" (1929), todas ellas mudas. Era el actor ideal para interpretar personajes truculentos y patéticos. Hubiera interpretado también "Drácula", pero murió poco antes de iniciarse su rodaje.

     Y en uno de sus primeros papeles, Joan Crawford, que aquí destaca por su belleza, su sonrisa franca y sus grandes ojos llenos de vitalidad. Con apenas 22 años, Joan radiaba juventud y simpatía. Lejos de la actriz que, con la edad, en los cuarenta se le volvió un rostro rígido, antipático, serio.

     Su corta duración hace que se vea con agrado,

Bette DAVIS (1908 - 1989)

    

      Actriz norteamericana. Temperamental, físico ingrato, grandes ojos, talento nervioso, debe a su tesón y a una enorme ambición el haberse convertido en una de las grandes estrellas del cine. Premiada con dos oscars en su carrera (1935 y 1938).

          Nacida en Lowell (Massachussets), estudia arte dramático en Nueva York, y comienza a trabajar en el teatro.  Su carácter hace que sea despedida en su primera obra por George Cukor, aunque ello no le impide triunfar en Broadway a partir de 1929.

          Deseosa de triunfar también en el cine, fracasa en una prueba que le hace Samuel Goldwyn, pero es contratada por la Universal, donde sólo interpretará 4 películas mediocres, siendo despedida a continuación, acusada de faltarle sex-appeal.

          El actor inglés George Arliss, con quien había trabajado en Broadway, acude en su ayuda, y convence a Jack Warner para que sea su pareja en "La oculta providencia" (1932). Tiene cierto éxito, y firma un contrato con el estudio que se alargará durante 17 años (1932-49).

          Interpreta papeles secundarios, en donde aparece triste, fea, y mal vestida. El director John Cromwell la saca de esta atonía en "Cautivo del deseo" (1934), donde da rienda suelta a toda clase de excesos que, en ella parecían naturales. El estudio decide apostar por ella, y a base de maquillajes y vestuarios, la convierten en más delgada, más rubia, y más elegante.

          Premiada a continuación por "Peligrosa" (Green-1935), los éxitos se sucederán: la prostituta de "La mujer marcada" (Bacon-1937), la voluble Julia en "Jezabel" (Wyler-1938), que le reporta su segundo oscar, la enferma de "Amarga victoria" (Goulding-1939), la infeliz de "La solterona" (Goulding-1939), la adúltera asesina de "La carta" (Wyler-1940), su Regina de "La loba" (Wyler-1941), o "La extraña pasajera" (Rapper-1942) son películas que aumentan su prestigio. En este período decide marcharse a Londres y mantener un pleito con Jack Warner, caso que perdió, y tuvo que regresar. (1936)

       

   Finalizado su contrato en 1949, rueda en la Fox la que será su película emblema, ·Eva al desnudo" (Mankiewicz-1950). Su papel de Margo Channing será el momento cumbre de su carrera, pero también el principio de su declive. La década de los cincuenta se transformará en su pesadilla, y eso que dió vida dos veces a Isabel I de Inglaterra, un papel que ya había bordado en 1939 a las órdenes de Curtiz.

          De la crisis la saca Robert Aldrich, que le ofrece un papel macabro y grotesco en "¿Qué fue de Baby Jane?" (1962), un gran éxito que revitaliza su carrera. Ansiosa, no para de trabajar, en cine, teatro o televisión, aunque pocos éxitos jalearán estos últimos años. Yo destacaría "Canción de cuna para un cadáver" (1965) y "Sembrando ilusiones" (1972), dando finalizada su carrera con "Las ballenas de agosto" (1988), poco antes de su muerte.

          Se dice que William Wyler fue el director que supo sacar lo mejor de ella. Yo añadiría a este gran olvidado de Edmund Goulding. 

Charles CHAPLIN (1889 - 1977)

   

  No voy a escribir nada nuevo sobre el genial Charlot. Modestamente, este blog pretende ser mi homenaje a su figura.

      Actor, director, guionista, músico, y productor de sus filmes, Chaplin nación en Londres, hijo actores de music hall sin demasiada fortuna ni medios. El padre muere cuando él tiene 12 años, y la madre. a causa de las tensiones y la penuria, pierde la razón. Charlie y su hermano mayor Sidney son internados en un orfanato. El hambre y la desesperanza son los recuerdos que tiene de su infancia, ambas cosas serán siempre presentes en sus filmes.

     A los 18 años entra a trabajar en una compañía de músicos ambulantes, donde ya trabajaba Sidney. En unos meses será la máxima estrella de los espectáculos de Fred Karno (1909), compañía que al año siguiente emprendería una gira por EE.UU.  El productor Mack Sennett se fija en él, y lo contrata para que trabaje en el cine en su compañía, la Keystone (1914)

     Al principio es dirigido por Henry Lehrman, viéndose supeditado a la estrella de la compañía, Mabel Normand. Pronto adoptará su célebre vestuario que se convertiría en la imagen más popular del siglo XX. Éste se componía de prendas que pidió a sus compañeros: los enormes pantalones de Fatty, la chaqueta de Charles Avery, las botas de Ford Sterling, y el bigote postizo de Mack Swain. Rodará 35 cortometrajes, a partir del doceavo ya serán dirigidos por él. El más importante, empero, lo dirigiría el propio Mack Sennett, sería "Las aventuras de Tillie"

     En 1915 pasa a la Essanay, donde sólo estará un año, pero empezará a rodar en la costa Este, y conocerá a una mecanógrafa sin experiencias en el cine, y con la que rodará prácticamente toda su filmografía, Edna Purviance, y quizás por su influencia, sus filmes serán menos grotescos y un poco más románticos.

     Cada vez su prestigio y sus honorarios son más grandes. En 1916 ficha por la Mutual, y al año siguiente por la First National, donde ofrecerá dos obras maestras: "Charlot en la calle de la Paz" y "Armas al hombro".

     Siendo la gran estrella del cine, deseoso de producir sus filmes, funda, junto a David W. Griffith, Mary Pickford y Douglas Fairbanks, la United Artists (1919), que se convertiría en uno de los grandes estudios de Hollywood. Aunque, como aún tenía contrato en vigor, dirigirá tres de sus cortos más famosos: "El chico" "Día de paga" y "El emigrante"

     A continuación, ya como productor, rueda su único filme en que no aparece como actor: "La mujer de París" (1923), hecho a mayor gloria de la Purviance. El fracaso del filme (el público no le perdonó que fuera un auténtico drama), terminó con la carrera de ella, y en cambio, lanzó la de un desconocido Adolphe Menjou.

     Sus trabajos se espacian: "la quimera del oro" y "El circo" son dos éxitos, pero llega el sonoro al cine. Chaplin no quiere arriesgarse y dirige "Las luces de la ciudad" sin voz, aunque le acopla un acompañamiento mujsical. Es un éxito rotundo, pero tarda 5 años en volver a rodar. Será "Tiempos modernos", última vez en que aparecerá el vagabundo Charlot. De pareja tiene a Paulette Goddard, que más tarde se convertiría en una de sus esposas.

   

  Su primer filme sonoro sería "El gran dictador" (1940), gran triunfo en Europa, pero severamente contestado por los sectores más conservadores y puritanos de EE.UU.

     El siguiente trabajo será 7 años después, "Monsieur Verdoux", que ya no será tan aclamado. Comenzaba a ser criticado en U.S.A, y el conflicto estalla cinco años después. Estando en Europa promocionando "Candilejas" (1952), es llamado a declarar por el C.A.A., Chaplin no se lo piensa, vende sus acciones del estudio y se autoexilia a Suiza. Contaba 64 años, estaba felizmente casado con Oona O´Neill, y era inmensamente rico. Se vengará de Hollywood en "Un rey en Nueva York" (1956), crítica satírica de las persecuciones maccarthystas. Diez años después, a los 78 de edad, dirigirá el que quizás sea su peor trabajo, "La condesa de Hong-Kong".

     Hasta su muerte, ocurrida al cabo de diez años, no dejó de trabajar. Compuso la música de sus filmes mudos, escribió guiones que ya no haría, regresó a EE.UU para recoger un oscar honorífico, y aceptó en su país, Inglaterra, el título de Sir que la reina Isabel le otorgó.

ANGEL (1937), de Ernst LUBITSCH

    Es extraño que Marlene y Lubitsch, ambos en contrato con la Paramount, no hubieran trabajado juntos. Ésta es la única película que hicieron.

     ¿Esperarían el final de la relación profesional de ella con Von Sternberg? !Una lástima! Siempre nos quedará la duda de lo que pudo ser. Con Sternberg,  Marlene estaba bella, seductora, voluble, vampiresa, infiel, pero con "Angel", está seductora, impone su personalidad, sus ojos y su semisonrisa enamoran.

     Contando con un guión de su fiel Sansom Raphaelson (colaboraron en 9 filmes), el enredo elegante estaba garantizado. La "clase" de su marido (Herbert Marshall) y su admirador (Melvyn Douglas) se daba por contado. Puertas que se abren y cierran en la mansión de la Gran Duquesa Anna, y que nunca sabemos que ocurre, debiendo poner toda nuestra imaginación en marcha. Al más puro estilo Lubitsch, o Raphaelson.

  

   Y esperamos ver que sucederá cuantro Angel y Tony se reencuentren en la villa Barker. No hay sorpresa, antes que esto suceda, el director dirigirá a Tony hasta una mesita donde está una foto del matrimonio. Cuando Marlene entra en el salón, la situación ya está controlada.

     Película agradable de ver, destacando unos secundarios de lujo, y en la que Edward Everett Horton trabajaba por quinta vez con Lubitsch. 

     Melvyn Douglas volvería a trabajar con Ernst en "Lo que piensan las mujeres" (1941), un mediocre filme del director. Marshall ya había trabajado en otra comedia de enredo, "Un ladrón en la alcoba" (1932), de la que recuerdo que Lubitsch lo "castigó" haciéndole subir y bajar numerosas veces por unas escaleras, y eso que el gran actor inglés tenía una pierna de madera.

     No está considerada una obra maestra, pero casi.

LON CHANEY (1886 - 1930)

  

   ACTOR y DIRECTOR norteamericano. Cara trágica, acróbata y contorsionista, rey del maquillaje, fue una leyenda en el cine mudo. Apodado "el hombre de las mil caras"

     Nacido en Colorado Springs (Colorado), hijo de padres sordomudos, aprendió a expresarse con el rostro y las manos. A los 17 años se une con su hermano mayor en una compañía de feriantes (1903), donde cogerá experiencia y desarrollará sus dotes de actor. En 1905 se casa con la cantante Cleva Creighton, de cuyo matrimonio nacerá Lon Chaney Jr., conocido por dar vida en el cine a Larry Talbott, el hombre lobo.

    Roto su matrimonio, probará suerte en el cine, rodando muchos cortometrajes, algunos dirigidos por él mismo, siempre interpretando a villanos en westerns.

   

  En 1919 es contratado por la Universal, estudio especializado en filmes de terror. Allí será dirigido en 10 filmes por Tod Browning, destacando "El milagro" (1919), "El castigo" (1920), "El hijo de la parroquia" (Lloyd-1922), donde encarnará a Faggin, "El jorobado de Notre Dame" (Worsley-1923), encarnando a Quasimodo.

     Cuando en 1924, el productor Irving Thalberg marche a la recién creada M.G.M., Lon le sigue, consiguiendo ser dirigidos por mejores realizadores. Será su mejor época: "El que recibe las bofetadas" (Sjöstrom-1924), "El fantasma de la Ópera" (Julian-1925), o Rie, payaso, rie" (Brennon-1928). Con la llegada del sonoro firma un nuevo contrato para interpretar versiones habladas de sus filmes mudos. Sólo logró trabajar en uno: "El trío fantástico" (Conway-1930). Aquejado de un cáncer de garganta, no puede hacer "Drácula" para su amigo Browning. Fallecería este mismo año. Parecía que el destino impidiera a quien había sido el máximo actor del mimetismo y la expresión, pudiera expresarse con la voz.

                                          FILMOGRAFIA BASICA

1913 - La mentira, con Pauline Bush.
1914 - Richelieu, con Pauline Bush.
1919 - El milagro, con Betty Compson.
1920 - El castigo, con Doris Dawn.
1920 - La isla del tesoro, con Shirley Mason.
1922 - El hijo de la parroquia, con Jackie Coogan.
1922 - Las cataratas del diablo", con Blanche Sweet.
1923 - El jorobado de Notre Dame, con Patsy-Ruth Miller.
1924 - El que recibe las bofetadas, con Norma Shearer.
1925 - El trío fantástico, con Mae Busch.
1925 - El fantasma de la Ópera, con Mary Philbin.
1925 - Amor de padre, con Norma Shearer.
1926 - Maldad encubierta, con  Renée Adorée.
1927 - Mister Wu, con Renée Adorée.
1927 - Garras humanas, con Joan Crawford.
1928 - Los antros del crimen, con Betty Compson.
1928 - Rie, payaso, rie, con Loretta Young.
1928 - Cuando la ciudad duerme, con Anita Page.
1928 - Los pantanos de zanzibar, con Lionel Barrymore.
1929 - Oriente, con Lupe Vélez.
1930 - El trío fantástico, con Lila Lee.

"FURIA" (1936), de Fritz LANG

 
   Me encantó desde la primera vez que la vi, y cada vez que la repaso, le encuentro algún detalle para añadir a los pros.

     Fue la primera película que Lang rodó en Hollywood, tocando un tema tan americano como el linchamiento, saliendo airoso del empeño. No así, en mi opinión, cuando rodó otro tema tan propio de U.S.A. como el western, su cuarta película allí: "La venganza de Frank James".

     En los primeros seis minutos del filme, ya nos ofrece un retrato de los personajes: Joe Wheeler (un Tracy impuesto por el estudio), su novia Katherine (excelente Sylvia Sidney), y los dos hermanos de él. No necesitó más tiempo para meternos en situación.

     Debió quedar satisfecho con la actuación de la Sidney, ya que sus siguientes películas contaron con ella como protagonista: "Sólo se vive una vez"  (1937) y "Silencio de mujer" (1938).

     Antes de hablar del rodaje, señalo la buena fotografía de Joseph Ruttenberg, llena de primeros planos tan común al expresionismo alemán: la Sidney, los vecinos difamadores, los 22 acusados, etc.

 
   Lang, que había seguido los pasos de directores europeos que huían del nazismo, Lubitsch, Siodmak, Wilder, May, había sido de los últimos en llegar. Había rodado su último filme europeo en Francia, "Liliom", y marchó a Hollywood contratado por David O´Selznick, por entonces Jefe de Producción en la M.G.M.

     Pero estuvo dos años, bien pagado, sin hacer nada. Había propuesto algunos guiones, pero no eran del agrado del estudio, además no congeniaba con Louis B. Mayer. Cuando Selznick abandona la compañía para fundar la Selznick International, la mano derecha de Mayer, Eddie Mannix, intentó con tacto cancelar el contrato.  Lang les convenció que había visto un boceto de guión de Norman Krasna, basado en un linchamiento, que le había gustado, y que podía sacar una buena historia si le dejaban pulir el guión.

 
  Así empezó el rodaje de "Furia", bajo el control en la producción de Joseph L.Mankirwicz, futuro realizador. Le retocaron algo el guión. Le obligaron a que el linchado, en vez de negro fuera blanco, le impusieron a Tracy, y le obligaron a tener un final feliz. Pocos cambios para un estudio que no se movía bien por los filmes de crítica social o cine negro.

     Una vez finalizado, lo preestrenaron en distintas localidades, y sólo fue cuando hicieron una premier para la prensa que, viendo que gustaba, se apresuraron a estrenarlo.

     Tuvo mucho éxito, y colaboró a establecerse definitivamente a Lang. Eso sí, no volvió a trabajar en la M.G.M. hasta 1955, cuando Mayer ya hacía años que no dirigía el estudio.

MARIA VALVERDE (y 4ª parte) - MUJER

 
   El año 2014 fue extraño. María no olvidará nunca aquel verano. Hubo lo peor, y también destellos de felicidad, al menos en el capítulo profesional. Más animada, al año siguiente confesaría "Después de Mario, toqué fondo, pero ya me estoy levantando".

     Pero le costó superarlo. Sentía que había perdido el tiempo. Veía lejano lo de tener hijos y llegar a ser una abuela feliz. Se instaló en Londres en lo que fue una huida de España, de los lugares de siempre. Fue una huida hacia adelante, pero huida.

 
   El trabajo vino en su ayuda. Al éxito de la serie "Hermanos", se sumó el ser llamada para interpretar a Séfora, la esposa de Moisés, en "Exodus". Por cierto que, la prensa de aquí, dijo que había obtenido el papel por recomendación de Penélope Cruz. Falso, primero porque Penélope no hubiera rechazado el papel, y segundo, porque Ridley Scott ya la conocía desde el rodaje de "Cracks", filme que dirigió su hija Jordan, y que él produjo. Allí sí que, quizás, Penelope la recomendara.

     Las pruebas, el rodaje, la premier, las entrevistas, la promoción, todo ello mantuvieron ocupada a María, y la convirtieron en una actriz admirada. A título personal, dejadme decir que, cuando la fui a ver, y al comienzo, sale el logotipo y la música de la 20TH Century Fox, se me puso la piel de gallina. Pero lo más importante, todo ayudaba a María a olvidar. Más tarde diría: "Estaba tan emocionada en el rodaje, que se me olvidaba comer".

     Aquel año María cumplía un sueño largamente deseado. Se convertía en burbujita Freixenet. Se entregó en cuerpo y alma a ensayar baile y danza. Comentaría: "En realidad quise ser burbujita antes que actriz. Era un sueño desde niña".

     Rueda también su primera comedia, Ahora o nunca, que, pese a no obtener buenas críticas, el público quería verla. Estuvo 4 meses en cartel, y recaudó casi 10 millones de euros en España. Es portada de Cosmopolitan y de Marie Claire, es imagen de Nina Ricci y de Tampax, y también de Vichy, y firma contrato para 2 nuevas películas, una de ellas en Azerbaijan, la otra en el País Vasco.

     Sigue olvidando, cada día más. No es hasta 2015 que, en una entrevista se despacha a gusto. Entre otras perlas manifestará:

          -Soy libre, más libre que nunca.

          -He llorado mucho, pero ahora no tengo ninguna relación con él.

          -Me he dado cuenta que he vivido 4 años con un desconocido.Simplemente, un día desapareció

          -Estoy orgullosa de mis errores, aunque mi gran error fue tatuarme por amor

          -Prefiero ser una gran mujer que una gran actriz

          - Soy más dura de lo que parece

     Yo añado, por mi cuenta que, si algún defectillo tiene, es que, inconcientemente, es muy mandona. Hace 10 años que la sigo, y me lo parece.

     En cambio es amiga de todos sus compañeros de trabajo. Punto y aparte para Lluis Tosar, al que dice siempre que lo considera su hermano mayor, por lo que la ayudó en su debut. Pero también es amiga de, entre otros, Hugo Silva, Dany Rovira, Alex Brendemühl, Alvaro Cervantes, Eva Green, Clara Lago, Irene Montalá, Christian Bale. De todos habla bien, incluso de Nick Nolte, un actor al que se conoce por su mal genio, sus rodajes difíciles, y su amor a la bebida.

     Y termino, la niña que conquistó a un bolchevique, que avanzó en su carrera a viento y marea, que se enamoró, se ha convertido en mujer. El tiempo todo lo cura, y sino, para eso estamos los valverdistas, para darle todo nuestro apoyo. Siempre.

MARIA VALVERDE (3ª parte) - Enamorada

 
 Y llegamos a 2010, un año en que la vida personal y profesional de María dará un giro de 180 grados.

     Rodará "3 metros sobre el cielo", basada en la novela de Federico Moccia, que ya fue filmada en Italia y no tuvo éxito.

     Moccia que, más que escritor parece político (por lo que le gusta "largar" en TV, radio y revistas), vino a España para tratar de encontrar quien quisiera volver a rodarla. Convenció a Francisco Ramos, productor muy profesional, para que la coprodujera (Moccia no arriesga nunca su dinero) y encargó a Fernando González Molina su dirección. Bien sea por la cuidada dirección de éste, o por el excelente trabajo de María, extraordinaria Babi, o quizás también por la sintonía que pronto apareció con Mario (que guapo, lo es, actor está por ver), el filme rompió moldes. Se convirtió en la película española más taquillera de todos los tiempos. Y triunfó en Italia, donde María ya era conocida por "Melissa P.", pero todo se quedó corto con el boom que representó en Latinoamérica. María diría: Después de 3msc empecé a tener otro tipo de fans.Me llagaban a miles desde Sudamérica.

     Menos anárquica de lo que a veces quiere hacernos ver, María dedicó más preferencia a las redes: Twiter, Facebook, Instagram. Crecían sus grupos de fans. Las tenía informadas, con mención especial para Paraguay, Brasil, sin olvidar a Rumanía, Argentina, Rusia, Colombia, y tantas que llegan.

     Antes de terminarse la película, María y Mario ya eran pareja. Ella manifestaría: Era natural, estábamos siempre juntos,tenía que pasar.

    Los primeros tiempos fue gloria, pero debían proseguir sus carreras, y habían separaciones. Él se había hecho un nombre gracias a H. y gracias a María. Ella rodó "Madrid-1987", un filme original de David Trueba, y sobretodo un espectáculo visual. ¿O no?  La seguiría "A puerta fría" (2012), un drama que exponía el mundo de los vendedores, los clientes y las convenciones. Gran trabajo de Antonio Dechent y de Héctor Colomé (q.e.p.d.) Me gustó mucho, al fin y al cabo es a lo que me dedico.

     Y llegó la secuela. "Tengo ganas de ti" aún gustó más, y eso que María tenía menos papel. El protagonismo era de Mario y de Clara Lago (de quien María se hizo íntima). Moccia, mareando la perdiz dijo que escribiría la 3ª parte. Lo que ocurre que la pareja se rompió, y naturalmente María no quería saber nada. La última noticia que tengo es que Moccia andaba por Sudamérica intentando que la rodaran con otros protagonistas.

     Pero volvamos a María enamorada. En el colmo de felicidad, en una de sus pocas entrevistas, dice: "Quiero formar una familia, tener hijos, y con el tiempo ser una abuela feliz

     María trabaja por primera vez en TV. "La fuga" es un éxito que, Telecinco ha repuesto este año.

     Son fotografiados por las revistas. Forman la pareja feliz. Yo puse un twiter por entonces en que señalaba: "Fijarse, ella sonríe a su amor y al mundo, él sólo mira la cámara"

     Los desencuentros siguen. Ella marcha a Venezuela a rodar "Libertador" (2013), y más tarde a USA para trabajar en "Broken Horses", un filme que no me gusta. Dijera lo que dijera la prensa, ya habían grietas en su relación. Se habla de 4 años de relación. En verdad fueron menos. 2013 no es un año feliz para ella. Tolera por amor el acoso que sufren de las fans, sobretodo a él. Hija única, compite con él en entrevistas o promociones que hace para sus hermanos, Sheila y Christian, tambien dedicados al espectáculo. Ya deben dar desmentidos sobre su ruptura. La popularidad de Mario va en aumento, pero María se consuela al ser elegida para representar y ser la imagen de Nora Ricci. Mario sale en las revistas amarillas de España. María hace portadas en Marie Claire y Cosmopolitan.

     Y llega el verano de 2014. Planean unas vacaciones de un mes y recorrer el mundo, pero él anuncia que debe empezar el rodaje de "Palmeras en la nieve". María lo despide en la estación terminal de Barcelona. Cuando se queda sola llora amargamente. Sabe. Una mujer siempre lo sabe. Cuando pasan días y no tiene noticias de él, le telefonea, le manda correos, mensajes. Herida en su orgullo, sigue insistiendo. Finalmente, él le manda un mensaje: "Todo ha acabado", y poco después, Sheila, lo daba a conocer a la prensa. A él le faltó lo que hay que tener para dar la cara.

     Y lo más triste es la última vez que se vieron. Fué en la promoción de la película de Christian. Ambos fueron entrevistados por separado. Se ignoraban, pero los organizadores en el pase del filme, los sentaron juntos. María elegantísima. Mario, despeinado, sin afeitar, con americana sin camisa, parecía un pordiosero. Ella sonreía natural, aunque por dentro....Él miraba la cámara.

     Continuará en una 4ª parte: María mujer.

MARIA VALVERDE (II) - la adolescente

  

   María llegaba a la mayoría de edad en 2005. Como ella misma cuenta, se había independizado dos años antes "por amor". Amoríos que salieron mal, así como alguna que otra propuesta profesional. Años después manifestaría. Era joven pero más lista que otros.El que nace tonto es tonto,tenga la edad que tenga. ¿Tuvo amores con alguien de 30 años? Casi seguro, pero siempre ha sido muy reservada de su vida.

     Y se lanzó a la aventura de rodar "Melissa P.", un filme basado en la novela autobiográfica de Melissa Panadello, una adolescente que publicó sus experiencias sexuales. Yo leí la n ovela antes de ver la película, y debo manifestar que el guión pasó de puntillas por las enormes escenas de sexo. Lógico. Para rodar, María debió dejar sus estudios (algo que siempre lamentó), y fue a trabajar al extranjero, en un idioma que desconocía, y al que se hizo acompañar de su padre. Controló la situación, !cómo no!, aunque confesaría después que: "Lo peor vino con su estreno, estaba mi abuela, mis padres y mis amigos"

     El filme fue un éxito. Toda España ya conocía a María. La llamaron para interpretar a Lucrecia Borgia en "Los Borgia", Otro éxito. Se vió en los cines y la pasaron como miniserie en televisión. La prensa empezaba a llamar a María "La Lolita del cine español", algo que la molestó, pero terminó por aceptar, manifestando tiempo después: "No era justo.El sexo es algo muy natural.Ojalá me sigan llamando a los 40 años"

     Por aquel entonces rechazó trabajar en "Caótica Ana", de Julio Medem. Tuvo miedo de que no volvieran a llamarla. Hizo unos cortometrajes que no contribuyeron nada a su carrera. Eran malísimos, pero su carrera ya estaba lanzada. 

     Interpretó, para mi, sus mejores trabajos, todos dramáticos. En 2007 "Ladrones" y "El hombre de arena". En 2008, "El rey de la montaña" y "La mujer del anarquista". De lo mejor que ha hecho, tuvieran, unos más que otros, éxito. La única nube en esta época, y no quiero dejar de consignarlo, es la campaña que la revista Cuore , semanario más burlesco que profesional, le hizo. Sólo aparecía para mostrarla como una de las mujeres peor vestidas. !Cuánto se habrá arrepentido la revista!

  

   Y llegamos a 2009, un año crucial para maría. Por dos motivos diferentes. En "La mula" conoció a Mario Casas. No intimaron aún, a lo que colaboró el enorme fracaso del filme, estrenado años más tarde a raiz del exitazo de 3MSC. El otro motivo fue "Cracks", debut en la dirección de Jordan Scott. Papá Ridley produjo el filme, y Penélope Cruz, prevista para rodarla, no pudo hacerla y recomendó a María, que pasó las pruebas e hizo una de sus mejores interpretaciones, aunque tuviera que luchar con su inglés. La semilla para trabajar con un gran director ya estaba sembrada.

     Continuará.

MARIA VALVERDE (I) LA CHIQUILLA

  

   Nacida en Carabanchel en 1987. Hija única (cómo debió desear tener hermanos) de una familia de clase media. He leído que su afición a las tablas le viene de familia, ya que su padre es pintor vocacional y su madre escultora. Lo cierto es que quizás tuvieran este hobby, pero en realidad, el padre trabaja en una gestoría y la madre es enfermera especialista en deficiencias físicas y psíquicas infantiles. María manifestó no hace tanto: "Si un día lo dejo todo, no me importaría trabajar ayudando a mi madre". Quien sí se dedicó al espectáculo, fue su abuelo, que era director teatral.

     Lo que sí es verdad es que ambos, sus padres, la han animado y apoyado siempre en su carrera. Todos los premios que María ha conseguido en estos 12 años, inclusive el Goya, están en la casa paterna.

     ¿Cómo es María? Tenaz, luchadora, intuitiva, trabajadora, amable, leal, profesional, estudiosa (una de las cosas que más mal le supo, fue tener que dejar los estudios). Le gusta dejarse llevar, arriesgarse. Como ella dice: "Me gusta lanzarme a la piscina"

     Excelente alumna, comentaba que no recibió bronca cuando llegó su primer suspenso. Al contrario, su madre enmarcó la nota, diciéndole que de los fracasos también se aprende. Por eso los nombra tanto, por eso los admira tanto: "Me han dejado equivocarme, aunque se han tragado decisiones mías que no les gustaban nada".

     Supongo que su afición por el cine le llegó a los 5 años, viendo "Hook, el capitán Garfio", de Steven Spielberg. Desde aquel día su madre le llama Campanilla, y María pensó "No quiero crecer nunca"

     Años después ya quería ser actriz. Bueno, antes quería ser Burbujita Freixenet, algo que consiguió con el tiempo. Se apuntó a todos los castings, hasta que a los 10 años logró ser cabecera de cartel en el concurso ¿Qué apostamos?. Despedía frescura, naturalidad, aunque si nos fijamos en el video que circula en You Tube, se la ve "gordita", con unos dientes imperfectos, pero decidida, como a todos nos gusta que sea.

   

  Entre estudio y estudio, y casting y casting, fue elegida entre 3.000 aspirantes para interpretar a María, la joven pija que enamora a un hombre en "La flaqueza del bolchevique". Ella misma dice. "Tardaron más de un año en comunicármelo. Cuando lo supe iba en coche con mis padres"

     No podía soñar con un debut más exitoso. Le dieron el Goya  a la mejor actriz revelación. !Cómo lloraba María cuando lo recogió. No le salían las palabras entre sollozo y sollozo. Hay un momento en la película en que demuestra la gran actriz que sería. Cuando en el parque se gira de golpe para contestar a Lluis Tosar. Ella agradeció, todavía agradece a su director Martín Cuenca, y a Tosar, la paciencia y la comprensión que tuvieron con ella. "Me lo hicieron fácil" diría.

     A "La flaqueza..." le seguiría "Fuera del cuerpo", un filme en que sólo aparece dos instantes, apenas 3 minutos. En 2005 haría "Vorvik", un thriller moderno, donde volvía a ser una de las principales intérpretes, y que tuvo una moderada aceptación.

     Pronto llegaría su gran despegue. Sería este mismo año. Aquel que, años después la llevarían a decir: "Tuve el mejor inicio, pero quizás me privó de tener una adolescencia normal"

     Continuará....

Joan CRAWFORD (1904 - 1977)

   

  ACTRIZ norteamericana. Boca ancha, grandes ojos que enamoraban. Interpretó a jóvenes modestas y ambiciosas, de hecho, un extracto de su vida real. Premiada con el "Oscar" en 1945.

     Nacida en San Antonio (Texas), de familia humilde, quiso siempre salir de este ambiente. Comenzó como bailarina, pero al darse cuenta de que habían muchas superiores a ella, se decanta por la interpretación. Comienza con papeles modestos en el teatro, que, no obstante hace que el productor Irving Thalberg se fije en ella, y sea contratada por la Metro (1925).

     Comienza en pequeños papeles, siendo la rival de Norma Shearer, o comparsa en filmes de Harry Langdon o Lon Chaney, aunque logra destacar en "Como las mariposas", de Edmund Goulding, y sobretodo, en "Vírgenes modernas" (Beaumont-1928).

     No obstante, es su boda con Douglas Fairbanks Jr. (1929-33) la que le abre las puertas de Hollywood y de la sociedad más influyente. El propio Louis B. Mayer ordena que le den mejores papeles: "Amor en venta" (Brown-1931), "Grand Hotel" (Goulding-1932), donde dando vida a la ambiciosa secretaria Flammchen, logra eclipsar a la mismísima Greta Garbo, "Lluvia"  (1932), "Alma de bailarina" (Leonard-1933) o "Cuando el diablo asoma" (Van Dyke-1934).

     Terminado su matrimonio con Douglas hijo, se casa con el actor Franchot Tone (1935-39). Ya era una estrella. La M.G.M. le hacía filmes pensados para ella. Triunfa con "Maniquí" (Borzage-1938) y "Mujeres" (Cukor-1939), repitiendo el éxito con "Un rostro de mujer" (1941), también de Cukor.

     Pero se acercaba a los 40 años. Ya no podía interpretar a jovencitas arribistas, y en total desacuerdo con Mayer, se le cancela el contrato y ficha por la Warner, que, en principio no sabe que papeles ofrecerle.

     En el estudio tuvo por rival a Bette Davis, a quien 

odió desde el primer momento, pero, casualidades de la vida, logra su estatuilla por un papel que rechazó Bette, "Alma en suplicio" (1945), en el que mucho tuvo que ver su director, el gran Michael Curtiz. Otro grande, Otto Preminger, le conseguiría un gran papel en "Daisy Kenyon" (1947), pero la edad no perdonaba. Su rostro se vuelve duro, y no hay muchos papeles para su talento Aún trabajará 20 años, pero sólo destacan: "Johnny Guitart" (Ray-1954) y el tormentoso reencuentro con Bette Davis en "¿Qué fue de Baby Jane?" (Aldrich-1962), obra maestra que mostraba de manera cruel la pérdida de glamour de las estrellas..

     Sería su canto del cine en la pantalla, pero antes había encontrado el mejor papel de su vida: el de señora de Alfred Steel, presidente de la Pepsi Cola, presidencia que alcanzó al quedar viuda (1956-59)

     Su nombre volvió a ser noticia después de su muerte, cuando su hija adoptiva escribió un libro donde hizo de ella un retrato cruel y corrosivo. Años después, se rodó un filme sobre esta historia, que protagonizó Faye Dunaway.

INOCENCIA Y JUVENTUD (1937)

   

  Filme de intriga y aventuras en el mejor momento profesional de Hitchcock en Inglaterra, y que enlaza con los éxitos consecutivos que había tenido en el período 1934-36: "El hombre que sabía demasiado", "39 escalones" (a la que recuerda mucho en su trama), "Agente secreto" y "Sabotaje"

     Retoma un tema afín al director, el del inocente perseguido por hallarse en el lugar incorrecto. Ejemplos: la mencionada "39 escalones", y ya en Hollywood: "Sabotaje", versión de 1942, "Yo confieso", "Atrapa a un ladrón", "Falso culpable" o "Con la muerte en los talones", y de nuevo en Inglaterra, "Frenesí".

     La rubia protagonista es Nova Pilbeam, con quien había trabajado 3 años antes en "El hombre que sabía demasiado". El actor, Derrick De Marney, correcto en su papel, es para mi, un desconocido, y concurren un elenco de actores secundarios que repetirían con Hitchcock: Percy Marmont, Edward Rigby, Mary Clare, y Basil Redford. Y una nota, como encargado del albergue para dormir, en un pequeño papel, la presencia de Torin Thatcher, un actor que se haría famoso, después, en filmes de aventuras fantásticas.

   

  Señalar además, que la escena en la mina abandonada, cuando a la chica le cede el suelo y está a punto de caerse a un precipicio, y una mano la sostiene, recuerda la escena de "Con la muerte en los talones"

     La película se basa en una novela de Josephine Tey, y colaboró en su guión Alma Reville. Es un filme que se ve con agrado en los apenas 80 minutos que dura. 

Gary COOPER (1901 - 1961)

   

 ACTOR norteamericano. Alto, lento de movimientos, tranquilo, mirada inocente. Campeón de taquilla durante dos décadas. Interpretó a vaqueros sencillos, parcos en palabras, ingénuos y obstinados al mismo tiempo. Prototipo del héroe americano, fue recompensado con dos estatuillas (1941 y 1952).

     Nacido en Helena (Montana), hijo de terratenientes, fue educado entre Inglaterra y Montana. Pronto marcha a Hollywood, donde trabajará como caricaturistas, su gran afición, pero su figura no pasa desapercibida, y pronto comenzará a trabajar en el cine, como extra, en filmes del oeste, generalmente protagonizados por Tom Mix.

   

  Su primer papel importante se lo da Henry King en "Flor del desierto" (1926). Gary mantiene un romance con la protagonista femenina, Clara Bow, que lo impondrá en "Alas" (1927), siendo contratado por la Paramount (1927-40). El éxito del filme lanza la carrera de Coop. Una sucesión de éxitos jalonan este período en el estudio: "Marruecos" (Sternberg-1930), "Las calles de la ciudad" (Mamoulian-1931), Adios a las armas" (Borzage-1932), "Una mujer para dos" (Lubitsch-1933), "Tres lanceros bengalíes" (Hathaway-1935), "Sueño de amor eterno" (Hathaway-1935), "El secreto de vivir" (Capra-1936), "Buffalo Bill" (De Mille-1936), "Beau Geste" (Wellman-1939), "Policía Montada del Canadá" (De Mille-1940), y terminado su contrato, y su posterior fichaje para Samuel Goldwyn en la United Artists, estudio en que siguió triunfando con "El forastero" (Wyler-1940) o "Sargento York" (Hawks-1942), película que le supondría su primer oscar.

     Acabaría la década con otros éxitos: "Juan Nadie", de Capra, "Bola de fuego", de Hawks, "El orgullo de los yanquis", de Wood, "Los inconquistables", de nuevo con De Mille, y "El manantial" de Vidor.

     Pero en 1951, sus últimos filmes no habían dado buen resultado. Se le consideraba acabado, demostrando así la poca vista que tienen muchos magnates de Hollywood.

  

   Afortunadamente fue elegido, en tercera opción, para interpretar al sheriff Kane en "Solo ante el peligro" (Zinemann-1952). Su actuación le valió recoger su segundo oscar, vengándose así de tanta miopía. Tenía entonces 51 años. Aún trabajaría unos años más, con buenos westerns, "El jardín del diablo" o "Veracruz", en una comedia en que no le iba el papel, "Ariane", y terminó su carrera con "Sombras de sospecha", en donde sí, las huellas del cáncer que le detectaron un par de años antes, ya se le notaban mucho.

     Se iba uno de los grandes. El vaquero encantador y un poco patoso, que hizo de la naturalidad su marca de fábrica.

Sean CONNERY (1930)

   

  ACTOR británico. Viril, individualista. Interpreta personajes aventureros y simpáticos. Fue el primer "James Bond" en el cine.

     Nacido en Edimburgo, de familia muy humilde, a los 15 años se enroló en la Marina. Pasado un tiempo, intentó ganarse la vida en los más pintorescos trabajos: albañil, guardaespaldas, o barnizador de ataúdes., los cuales dejó para tomar clases de interpretación. Poco tiempo, pues en 1951 debutaba en los escenarios en un pequeño papel en "South Pacific".

     Cinco años después lo hacía en el cine. Sin demasiado éxito, pasa desapercibido en sus primeras películas, en la que únicamente destacaría "Ruta infernal" (1957). Su suerte cambia cuando gana un concurso para dar vida en la pantalla al héroe creado por Ian Fleming. De la noche a la mañana, Sean se convierte en estrella después de haber rodado "Agente secreto contra el dr. No", "Desde Rusia con amor" y "James Bond contra Goldfinger" (1962-64).

     Entre rodaje y rodaje del espía 007, trabaja en "Marnie la ladrona" (Hitchcock-1964), "La colina" (Lumet-1965), "Odio en las entrañas" (Ritt-1970) y "Asesinato en el Orient-Express" (Lumet-1974).

     Abandonado James Bond por cansancio, aunque lo volvería a retomar en 1982, Connery da un giro a su carrera con "El viento y el león" (Milius-1975), donde demostraba que, como el vino, él ganaba con la edad. Desprovisto de su peluquin, dando realce a sus canas, extensivas a su barba, aumentando su sentido del humor, más seductor si cabe, triunfaba con dos grandes filmes: "El hombre que pudo reinar (Huston-1975) y "Robin y Marian" (Lester-1976).

   

   Bordeando los cincuenta años, trabaja sin parar, muchas veces en filmes que, sin su presencia, hubieran sido mediocres, pero alguno interesante como: "Un puente lejano" (1977), dentro de un gran reparto, "Cinco días, un verano" (1981), "Los inmortales" (1985), "El nombre de la rosa" (1985), "Los intocables de Eliot Ness" (1987), "Indiana Jones y la última cruzada" (1988), haciendo de padre de Harrison Ford, aunque en realidad sólo tenía 11 años y medio más, o "La caza del Octubre rojo" (1989).

     Así  ha seguido trabajando hasta 2003, convirtiéndose para el público, en el último gran héroe del cine.

SOLO ANTE EL PELIGRO (1952), de Fred Zinemann.

 
 Obra maestra como es, no me canso de verla. Ochenta y cinco minutos de una gozada.

     "High Noon", su título original, confirmó la madurez del western. La acción dejaba paso a la tensión, el dramatismo, y a unos personajes bien definidos. Un par de años antes, Henry King se adelantó con "El pistolero", otra obra maestra.

     Pese a que se rodó en 30 días, su rodaje no estuvo falto de problemas, principalmente a cargo de su exigente productor, Stanley Kramer, que no quería a Gary Cooper para interpretar al sheriff Kane. El había pensado en Charlton Heston o Montgomery Clift para el papel. Ambos declinaron la oferta por problemas de agenda. Menos mal, no puedo imaginarme a Clift, excelente actor, como sheriff abandonado.

     Cooper no estaba pasando por su mejor momento artístico. Sus últimas películas no habían sido grandes éxitos, y la industria empezaba a considerarlo caduco, y eso que sólo tenía 51 años. Cooper hizo una magistral interpretación que le valió su segundo Oscar. Malas lenguas dicen que una úlcera de estómago que, por entonces sufría, le sirvió para dotar a su personaje de un rictus de angustia que le venía bien al personaje.

     Kramer también acusó a Dimitri Tiomkin, autor de la B.S.O. de que su música era demasiado sombría, y le obligó a componer la balada "Don´t Forzake Me, Oh My Darling", canción que se hizo célebre, y mira tú por donde, le hizo ganar el Oscar.

     Otro Oscar que consiguió el filme, fue para los montadores Elmo Williams y Harry Gerstad, verdaderos artífices del éxito de la película. Es sabido que en el preestreno de la cinta en provincias, no fue bien recibido por el público. Entonces, ellos convencieron a Zinemann que filmara primeros planos de relojes (en la oficina del sheriff, la estación o el hotel), y ellos lo irían intercalando en el filme. Así, al transcurrir la acción en tiempo real, el público acompañaría a Kane en el transcurso del tiempo. La primera foto del reloj es a las 10,40, en la boda de Kane y Amy, y la última es a las 12, cuando llega el tren. Una hora y 20 minutos, tal como dura la película.

     La fotografía fue del veterano Floyd Crosby, dotándola de imágenes frías, como si un documental fuese, y mostrando el ir y venir de Cooper a través de unas calles semi vacías.

     Con un Cooper extraordinario, destacan unos secundarios de lujo: Thomas Mitchell, Lon Chaney Jr., Henry H.Morgan, Lloyd Bridges u Otto Kruger, pero yo destaco a Katy Jurado por su fuerza interpretativa. De la futura princesa, en su segundo filme, pasa desapercibida.

     Y por último, decir, cosa que no entiendo, que la película siempre ha llevado el latiguillo de ser una cinta de derechas. ¿Por qué? Seguro que no sería por el guión de Carl Foreman, escritor que fue perseguido por izquierdista por el C.A.A.  Las películas son buenas o malas, sea quien sea su director o su intérprete, O ¿son malas las películas de Ford? ¿o las de Henry King y Sam Wood?

     Algunos críticos deberían hacérselo mirar.